TOP 3 : Artiste japonais déjanté

Yayoi Kusama, (née le 22 mars 1929 à Matsumoto, Japon), se décrivait elle-même comme une "artiste obsessionnelle". Personnellement nous la pensons un peu folle, mais vous allez décrouvrir pourquoi dans la suite de l'article ! Elle est connue dans le monde de l’art pour son utilisation et son amour inconditionnelle pour les motifs en forme de petits pois. Elle a utilisé de nombreuses formes d’art dont :

• La peinture,
• La sculpture,
• L'art de la performance
• L’utilisation de l espace dans des styles variés comme le Pop art et le Minimalisme.

 Kusama a commencé à peindre lorsqu'elle était enfant. Elle a avoué que dès son plus jeune âge elle avait des hallucinations qui impliquaient souvent des champs de points. Ces hallucinations et le thème des points continueront à influencer son art tout au long de sa carrière. Elle n'a eu que peu de formation formelle. Elle a étudié l'art de manière succincte entre 1948-1949 à l'école d'art spécialisée de la ville Kyōto. Les conflits familiaux et le désir de devenir artiste la poussent à déménager en 1957 aux États-Unis, où elle s'installe à New York. Avant de quitter le Japon, elle a détruit beaucoup de ses premières peintures.

Parmi ses premiers travaux à New York figuraient ce qu'elle appelait des peintures "à l'infini". Celles-ci consistaient en des milliers de petites marques répétées de manière obsessionnelle sur de grandes toiles sans tenir compte des bords de la toile, comme si elles continuaient à l'infini. Ces œuvres exploraient les limites physiques et psychologiques de la peinture. La répétition apparemment infinie créaient une sensation presque hypnotique pour le spectateur et l'artiste. Ses peintures de cette période anticipent le mouvement minimaliste émergent. Ensuite son travail passe rapidement au Pop art et à l'art de la performance. Elle est devenue une figure artistique emblématique new-yorkaise. Son travail a été exposé aux côtés de celui d'artistes tels que Donald Judd, Claes Oldenburg et Andy Warhol.

La répétition obsessionnelle continue d'être un thème récurrent dans ses travaux de sculpture. Elle commence à exposer au début des années 1960.

Elle a énormément travailler sur le thème de l'anxiété sexuelle. Kusama recouvre une grande partie de ces œuvres par des objets, comme son fauteuil dans Accumulation No. 1 (1962). Il se compose de petites sculptures phalliques construites à partir de tissu blanc. Parmi les créations de l'époque, on peut citer Infinity Mirror Room-Phalli's Field (1965), une pièce en miroir dont le sol était recouvert de centaines de phalli rembourrés et peints de points rouges. Les miroirs lui ont donné la possibilité de créer des plans infinis dans ses installations, et elle continuera à les utiliser dans des pièces ultérieures.

À l'image de son époque, la performance de Kusama a exploré les idées anti-guerre, antiestablishment et free-love. Ces oeuvres impliquaient souvent de la nudité en public, avec l'intention déclarée de désassembler les frontières de l'identité, de la sexualité et du corps.

Dans Grand Orgy to Awaken the Dead (1969), Kusama a peint des points sur les corps nus des participants lors d'une performance non autorisée dans la fontaine du jardin de sculptures du Musée d'art moderne de New York. Les critiques l'ont accusée d'une intense autopromotion, et son travail a été régulièrement couvert par la presse. "Grand Orgy"a fait la une du New York Daily News.

Kusama est retournée au Japon en 1973. À partir de 1977, elle décide de se faire interner dans un hôpital psychiatrique. Elle a continué à produire de l'art pendant cette période et a également écrit de la poésie et des fictions surréalistes, notamment The Hustlers Grotto of Christopher Street (1984) et Between Heaven and Earth (1988).

Kusama est revenue dans le monde de l'art international en 1989 avec des expositions à New York et à Oxford, en Angleterre. En 1993, elle a représenté le Japon à la Biennale de Venise avec une œuvre qui comprenait Mirror Room (Pumpkin), une installation dans laquelle elle a rempli une pièce de miroirs avec des sculptures de citrouilles couvertes de ses points caractéristiques. Entre 1998 et 1999, une importante rétrospective de ses œuvres a été présentée au Los Angeles County Museum of Art, au Museum of Modern Art de New York, au Walker Art Center de Minneapolis, dans le Minnesota, et au Museum of Contemporary Art de Tokyo.

En 2006, elle a reçu le prix de l'Association japonaise d'art pour la peinture. Son travail a fait l'objet d'une grande rétrospective au Whitney Museum of American Art de New York en 2012, et une exposition itinérante a attiré des foules record au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D.C., en 2017. Cette année-là, elle a ouvert un musée consacré à son travail à Tokyo, près de son atelier et de l'hôpital psychiatrique où elle vit.

SHOHEI OTOMO

Fils du légendaire Katsuhiro Otomo, auteur, illustrateur et créateur japonais du classique culte Anime AKIRA, Shohei Otomo est taillé dans la même étoffe que son père. Il est l’un des artistes contemporains japonaise en vogue. Il s’immerge pour chacune de ses oeuvres dans un processus créatif extrêmement intense.

Véritable Van Gogh ou Rodin des temps modernes, il mêle parfaitement la sensibilité de la culture du japon et l’art moderne et contemporain. Il propose un vision dystopique de la vie au pays du soleil levant et des bas-fonds miteux souvent cachés du monde extérieur.

Travaillant principalement au stylo bille, les représentations perspicaces du Japon de Shohei Otomo exposent l’ambivale du pays du soleil levant déchiré par sa façade commerciale et sa culture souterraine profonde. Livrées avec un niveau indéniable d'analyse politique mordante et de perfection technique, les œuvres d’art de Shohei chevauchent les mondes de l'art, de l'illustration, des anime et du cyber-punk.

Shohei réfléchit sur les changements sismiques au Japon pendant l'ère Heisei et tente de se projeter dans son avenir. Shohei est un illustrateur nippon de génie qui a le talent de déconstruire la culture japonaise et de construire une critique sociale sophistiquée à partir des pièces de ses créations artistiques. C'est un symboliste subtil dont l'œuvre est pleine de sens cachés.

L'artiste a présenté une sculpture de lutteur sumo lors du vernissage de son exposition "REIWA" à la SHDW.gallery à Hong Kong. La sculpture, intitulée There Is Nothing You Can Do To Hurt Me. La sculpture est faite de résine blanche, polie à la main.

C’est un symbole de défi : un imposant lutteur sumo avec les bras tendus pour montrer sa puissance, sa confiance et sa determination.

Avec une impressionnante démonstration de précision technique, une critique politique incisive et un style innovant, Otomo glisse sans effort entre les limites du design graphique, des beaux-arts, des anime et du punk power brut.

Le directeur de la galerie d’art Backwoods situé à Melbourne (Alexander Mitchell) a notamment déclaré à propos du travail d’Otomo :

La culture japonaise est engagée dans une bataille permanente contre deux adversaires : la jeunesse et l'Occident. Tel un lutteur de sumo colossal disposant d’une expérience en lutte considérable, il utilise le poids de ses adversaires comme une arme. Ainsi, le Japon maintient en quelque sorte un équilibre tangible. Il assimile les autres cultures, les repousse parfois tout en conservant la sienne dans un équilibre distinct.

L'exposition présentant ce sumo se nomme ORA ORA ! Cette expression japonaise n'a pas de traduction française directe. Il s'agit d'un cri de menace ou de combat, couramment utilisé par les voyous japonais. Récemment, l'expression a également été utilisée dans les mangas comme l'onomatopée de l'effort fourni pour frapper ou donner des coups de pied à quelqu'un de façon répétée, avec des sous-entendus ironiques. Comme tout ce que fait Shohei, son choix de titre a une signification à plusieurs niveaux qui se rattache avec élégance au thème central de l’exposition.

L’influence de l’occident sur la culture Japonaise ne semble pas avoir effacer les coutumes et préceptes japonais. Cependant, à plus petite échelle, pour les Japonais, cette influence occidentale se traduit souvent par un sentiment conflictuel d'identité culturelle. Des esthétiques  différentes et des philosophies contradictoires occupent la conscience japonaise. Les cérémonies du thé et les distributeurs automatiques, le bouddhisme et le consumérisme, la simplicité zen et un fouillis frénétique de logos. Tous rivalisent pour des dans la psyché japonaise.

L'une des oeuvres phares d' Otomo Shohei représente trois écoliers armés de battes qui frappent un salarié au sol. Les garçons lui arrachent son smart-phone des mains et se préparent à lui mettre une raclée. Le garçon au centre du tableau, celui qui porte un t-shirt de Superman, se mord la lèvre inférieure alors qu'il s'apprête à frapper la tête de l'homme avec son arme. Les poignets et les sacs des trois garçons sont ornés de clés de voiture et de montres. Symboles de statut du Japon consumériste. Ce sont pour eux des trophées , vraisemblablement volés lors d'autres attaques. C'est le traditionalisme qui répond violemment à la superficialité de la modernité. Les mots "Nouvelle ère" sur la casquette du garçon prennent une nouvelle signification lorsqu'ils sont écrits en kanji et soutenus par les autocollants nationalistes qui décorent la batte du premier plan.

Les illustrations de Shohei dépeignent les aspects négatifs de la modernité et du progrès. Son message principal est clair, une simple critique du consumérisme. Mais si nous regardons plus profondément, cette illustration ne se limite pas à cela. Avec le vieillissement de la population, le Japon a tourné le dos à la famille en faveur du matérialisme. Les jeunes, dans ce cas, sont paradoxalement présentés comme les protecteurs des anciennes traditions culturelles.

En présentant les jeunes comme les gardiens de la tradition, Shohei suggère qu'il existe une structure sociale optimale partiellement imbriquée dans les valeurs traditionnelles. En outre, dans le contexte de la dynamique culturelle entre le Japon et l'Occident, le t-shirt de Superman signifie une culture populaire importée tout en faisant allusion au rejet philosophique occidental du matérialisme nihiliste. Dans les deux sens, il s'agit d'un concept étranger qui a été réorienté pour soutenir la préservation de la culture japonaise.

La technique seule est superficielle, et elle ne définit pas un grand artiste. Ce qui fait de Shohei Otomo un grand artiste, c'est son utilisation sophistiquée et élégante du symbolisme. Tout dans l'œuvre de Shohei a une signification stratifiée et dynamique qui illustre une analyse critique de la société japonaise moderne. Certaines de ces oeuvres sont totalement folles et tirées par les cheveux et c'est qui en fait un artiste déjanté et unique...

OEUVRES JAPONAISES

Ces deux artistes ne sont pas considérés comme des artistes modernes et déjantés mais on ne pouvait pas faire un article sur les artistes japonais sans parler des oeuvres nippones les plus emblématiques depuis des siècles !

La Grande Vague de Kanagawa

C’ est une magnifique estampe japonaise de Hokusai. J'en ai donné un exemple au début de cet article. C’ est l'œuvre d'art la plus populaire du pays du soleil levant auprès du public européen et américain. Beaucoup considèrent l'art japonais comme l'un des meilleurs au monde. 

La Danse Des Grues par Morita

La danse des grues, est un tableau classique de Morita qui représente une femme traditionnellement vêtue dansant au milieu des grues (également appelées Tsuru). La belle couleur et les détails de sa robe en font un tableau populaire et peut-être le deuxième après La Grande Vague de Kanagawa en termes de reproductions. Elle est particulièrement apprécié des amateurs d’art occidentaux. Cette estampe a contribué à mettre la carrière de Morita sous les feux de la rampe.

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